Пьеса А. С. Грибоедова «Горе от ума» появилась на сцене театра в 1950 году в постановке Н. А. Медведева. В спектакле проводилась опосредованная связь с современностью, мобилизовавшая внимание зрителя на нравственные проблемы: честность и бесчестие, ум и глупость, высокая мысль и пошлость, добро и зло и т. д.
Чацкий — идейный и философский центр пьесы и спектакля — трактовался артистом Е. Л. Романовским как человек, духовно близкий нашей эпохе, как вечное горение разума, как пример бескорыстного служения истине. Постановщики логически убеждали зрителя в том, что личная драма Чацкого явилась катализатором его общественного конфликта. Чацкий — человек будущего.
Достойной партнершей Е. Л. Романовского стала в спектакле В. Н. Краснослободская (Софья). Роль Софьи исполняла и О. Климова. Успеху спектакля способствовали отличная игра И. Е. Рагозина (Фамусов), интересная трактовка образа Лизы артисткой Л. М. Мамонтовой. И. Голованов играл Молчалина, Е. И. Агеев, П. П. Бузуев — Скалозуба.
Высокая культура спектакля проявилась в бережном отношении актеров к слову Грибоедова: чистота и выразительность монологов и диалогов — одно из ценнейших достижений спектакля.
На протяжении ряда лет в театре с неизменным успехом шли спектакли «Власть тьмы», «Живой труп». Создатели постановки «Власть тьмы» — режиссер Н. Мокин, художник Ю. Бабичев — смогли полно выявить идеи и тенденции, заложенные в драматургии Л. Н. Толстого: протест против политического и духовного закабаления человека, утверждение правды и нравственной красоты. В этом спектакле особо ярко проявились творческие возможности артистов П. И. Кулешова и Е. И. Байковского. В Акиме — Кулешове преобладали ясность и простота, полное отсутствие морализации. Элемент комического, заложенный в образе Акима, сочетался в игре актера со страстной и высокой торжественностью в моменты переживаемого им наивысшего духовного потрясения. Творческое вдохновение актера целиком было направлено на утверждение духовного величия простого человека из народа.
Роль Никиты для артиста Е. И. Байковского явилась этапной на его творческом пути: артист нашел новые краски для образа своего героя. Опьяненный сознанием своей власти над людьми, своим богатством, Никита — Байковский убежден, что ему все позволено: открыто глумится он над женой, отцом, неотвратимо идет к нравственному краху. По-своему боролась за свое счастье Акулина (О. В. Климова), идущая напролом к своей цели, грубо и бесстыдно играя любовью. И лишь в финале, прозревшая, она кается в своей вине.
В свете толстовского понимания «человечного в человеке» даны образы Митрича (П. П. Соколов, А. Я. Мазуров), резко оттеняющие Матрену (К. А. Борцова) и Анисью (3. А. Извольская, Т. О. Золотарева) — носительниц зла и преступности. Авторы спектакля воплотили в своей работе главный принцип русской классики XIX века — отрицание гнусной российской действительности во имя утверждения человечности, добра и справедливости.
Постановка «Живого трупа» была не только продолжением учебы у великого драматурга, но и достижением новых творческих вершин. Режиссер В. В. Люце тонко уловил потенциальные возможности исполнителей. Роль Протасова сыграл В. А. Южанов, Анны Павловны — Г. Д. Медведева, Каренина — Е. Л. Романовский, Лизы — И. Г. Баратова, Саши — О. В. Климова, Маши — В. Н. Краснослободская, Карениной — К. И. Оршанская, Судебного следователя — Е. И. Прейс, князя Абрескова — И. Е. Рагозин, П. П. Бузуев. В этой сложной работе коллектив добился идейной остроты спектакля, пафоса отрицания бесчеловечных устоев старого мира, посягающего на духовную свободу человека.
Спектакль «Село Степанчиково и его обитатели» (режиссер В. Панов), поставленный по роману Ф. М. Достоевского,— одна из лучших работ театра начала 70-х годов. В ней раскрылись значительные творческие возможности как режиссера, так и актеров. Яркая зрелищность спектакля сочеталась с глубокой трактовкой его идейного содержания, с психологической мотивировкой поступков персонажей.
Образ Фомы Опискина в талантливом исполнении таких разных по своему художественному почерку актеров, как П. И. Кулешов и В. И. Милосердов, обрел ту многогранность, которая усилила наше понимание идеи спектакля. Весь творческий коллектив исполнителей показал полное понимание существа героев Достоевского, придавая им такую силу обобщения, которая выводила их из рамок того времени.