На с. 30–63 мы предлагаем примеры таких простейших вопросов. Для удобства они сгруппированы по темам, а ответы преследуют двоя кую цель:
1. Приучить двигаться от общего к частному. Сначала — общие соображения относительно музеев и картин (с. 30–34), затем вопросы, связанные с творчеством художников (с. 34–40), далее разговор о сюжетах произведений (с. 47–61) и о стоимости картин (с. 62–63).
2. Рассматривать тематику живописи в исторической последовательности, начиная со Средних веков. Вначале обсуждаются религиозные сюжеты (с. 47–51), портрет (с. 51–55), мифология и история (с. 55-5 8), пейзаж (с. 58–60) и наконец сцены повседневной жизни и изображение предметов (с. 60–61).
Особо говорится о современной живописи (с. 40–47), что вполне естественно: восприятие искусства XX века связано с определенными трудностями и порождает массу проблем.
Номера в скобках отсылают к репродукциям картин на с. 66–186.
Картины и музеи
У каждой картины своя история. Когда-то ни одна картина не предназначалась специально для музея. Живопись украшала церкви, дворцы, частные резиденции; ее скупали коллекционеры. Собрать в одном месте такое множество картин, которое мы привыкли видеть в музеях и галереях, раньше было невозможно, да и обстановка была совсем другая. Если вспомнить, что электрическое освещение появилось только в конце XIX века, мы поймем, как выглядели при свечах картины с золотым фоном и как яркость красок притягивала зрителей, стоявших в полутьме. А многие современные произведения искусства создаются как раз для того, чтобы выставляться на всеобщее обозрение: недаром они бывают огромных размеров!
Не удивительно, что обилие религиозной тематики у многих посетителей не вызывает особого отклика: зачем тратить время на такие картины, если сам ты далек от религии? Между тем средневековая церковь, используя искусство как способ донести свои идеи до людей, способствовала развитию универсального языка зрительных образов. Такие основополагающие моменты, как композиция, колорит, символическая трактовка света и тени, были изначально разработаны в религиозной живописи. Игнорировать религиозную живопись — значит перекрыть себе доступ к языку зрительных образов, который по сей день питает изобразительное искусство — вплоть до рекламы.
Две главных составляющих любой картины — основа (дерево или холст) и собственно живопись. Самые старые картины писались на деревянной основе (обычно на досках из тополя или дуба). Начиная с XV века художники стали переходить на холст, который уже в XVII веке почти полностью вытеснил дерево. Картины стали легче по весу, их стало проще хранить (холст менее чувствителен к перемене погодных условий), проще перевозить (холст можно свернуть в рулон). Что касается красок, то они делаются из пигментов (порошкообразных красителей) и связующих веществ — натуральных (яичный желток) или искусственных. До XVIII века использовались только природные красители, затем появились синтетические, и диапазон цветов необычайно расширился. Красители, растертые на яичном желтке или на смеси клеевого раствора с маслом, называются темперой. С XV века художники стали отдавать предпочтение масляной живописи. Масляные краски более жидкие и обладают большей прозрачностью, чем темпера. До начала XIX века краски обычно накладывались на грунт, белый или цвета охры, а потом покрывались защитным лаком. Сейчас художники часто используют акриловые краски.
Это значит, что художник использовал смесь разных красок — масляных, акриловых, лаков и т. д. Кроме красок, он мог применить материалы, которые обычно в живописи не используются: ткань, бумагу, песок, древесину, стекло.
В состав музейных экспозиций и временных выставок как правило входят рисунки, гравюры, пастели и даже фотографии. Рисунки — это чаще всего наброски или этюды, сделанные на разных стадиях подготовки к созданию картины, хотя они могут представлять собой и самостоятельные произведения. Поскольку бумага требует самого бережного обращения, такие работы выставляют ненадолго и при более слабом освещении, чем живопись.