Москва остаётся для Суховецкого главной, но не единственной любовью. Из своих странствий он привозит запечатлённые в красках мелодии иных городов. "Турин" (1994), "Крыши Парижа" (1999), "Шербур" (2010) написаны так, словно художник прожил там полжизни: трудно поверить, что за время кратких свиданий можно найти общий язык с гениями мест, столь не похожих на родные просторы. Даже в этюдах, о которых особо распространяться не принято (ведь, по сути, это лишь разминка перед серьёзной работой), художник достигает законченности, самодостаточности, умудряясь уместить в лаконичный "кадр" пейзаж, который в действительности безбрежно-бесконечен ("Мёртвое море. Марево", 2001).
Желание проникнуть в суть вещей, отставив в сторону их внешнюю фактурную живописность, позволяет художнику превратить такой не слишком популярный сегодня жанр, как "обыкновенный", "скучный" натюрморт, в своего рода зашифрованное послание, даже если хотите - в философскую притчу. Ну почему ему так важно компоновать среду вокруг маленького, скромного предмета, явно не тянущего на "главную роль" в композиции, - какой-то засохшей дубовой ветки или весьма прозаичной на первый взгляд чёрной рюмки? Но стоит лишь заставить свои серые клеточки работать интенсивнее (по глубокому убеждению Алексея Николаевича, восприятие искусства такая же напряжённая, не терпящая суеты работа, как и само творчество), и скрытый в послании код проявляется: часы, отмеряющие неизмеримое время, - ткань, струящаяся подобно водопаду жизни, - белая чаша как воплощение сосуда бытия, из которого каждый пьёт столько, сколько ему отмерено, - пёстрая ширма, отделяющая видимое от невидимого и, более того, небытие от бытия. А надо всем этим - лицо женщины как символ вечности и неиссякаемости источника человеческой жизни ("Натюрморт с японской гравюрой", 2008).
Апологеты актуального искусства со всем отпущенным им природой пылом пытаются доказать, что каноны классического искусства жёстко ограничивают для художника возможность самовыражения. Суховецкий оспаривает этот довод каждой своей работой: "Классическая школа не только не ограничивает автора, но даёт ему возможность говорить со зрителем на понятном ему языке. Выражает ли художник себя, громоздя "композицию" из бетона и колючей проволоки? Вряд ли, разве только у него самого эта проволока внутри. Школа даёт художнику крылья, а у не имеющего её крылья подрезаны. Никому в голову не придёт утверждать, что настоящий композитор не должен быть хорошим исполнителем, ибо это будет "сужать" его композиторский диапазон. Сергей Васильевич Рахманинов был выдающимся композитором и не менее выдающимся пианистом. Почему же владение школой ставят в упрёк художникам?"
Однако школа - это не только безукоризненное владение техникой, это ещё и наследие великих предшественников, которое подпитывает художника своей энергетикой. Речь не идёт о ксероксном копировании приёмов, а о вдохновении, рождающемся от соприкосновения с подлинным шедевром: так маяки своими лучами помогают мореходам найти путь через мели и рифы. Впрочем, спорить с "оппонентами" Алексей Суховецкий не любит: время и так всё расставит по своим местам, суетиться не стоит. Он берётся за кисть для того, чтобы взволновать, удивить своего зрителя, помочь ему увидеть, что мир вокруг, каким бы несовершенным он нам ни казался, на самом деле всё-таки прекрасен.
Виктория ПЕШКОВА
Оркестр «Боян»!
Оркестр «Боян»!
СЛОВО МУЗЫКИ
Своё не ценить - наша традиция?
Нужно так любить русский язык, как любит Святослав Бэлза, чтобы создать такую литературно-музыкальную программу, как "Великое русское слово". Нужно так чувствовать исконно русское в музыке, как Анатолий Полетаев, чтобы организовать и долгие годы пестовать Государственный академический русский концертный оркестр "Боян".
Во дворце на Яузе оркестр "Боян" с участием Василия Ланового, Алексея Кузнецова, Ирины Крутовой великолепно отыграл литературно-музыкальную композицию "Великое русское слово".